domingo, 18 de febrero de 2018

Egon Schiele (Pintor) (Entrada recuperada del 19-12-1913) - Museo Guggenheim de Bilbao

Eduard Kosmack, 1910
Mi semana  en Viena (IV) - Adolf Loos - Museo Leopold - Egon Schiele, pincha aqui

He visitado recientemente la exposición temporal del pintor que presenta el Museo Guggenheim de Bilbao, Egon Schiele. ¡¡¡Inolvidable!!!



Ha pasado más de un siglo, y el trazo y la temática del genio siguen conmoviendo. 
Fue una estrella fugaz. Pero en apenas 28 años de vida abrió el arte a registros desconocidos. El sexo a secas, sin pretextos históricos o simbólicos. La angustia vital irrumpió con su obra en la pintura y ya no la abandonaría jamás.


Schiele encarnó el salto sin vuelta atrás del idealismo decimonónico a la descarnada modernidad, que latía sordamente en la Viena finisecular. Bajo la orgía esteticista del art noveau; junto al despreocupado derroche de óperas y valses, las teorías de Freud y Nietzsche descubrían aspectos nada tranquilizadores de la personalidad. Y con ellos, un nuevo sujeto. Histérico muñeco roto. Melancólico huérfano sin dios ni futuro en que apoyarse. Schiele trasladó con sorprendente acierto sus ideas al lienzo, porque las vivió personalmente. Conoció muy pronto el dolor de la pérdida y los desgarros de la enfermedad mental. Su padre, al que adoraba, murió loco y sifilítico cuando él tenía 15 años. Muy al contrario de lo que sugieren sus retratos, Schiele era un joven vitalista y lleno de humor. Eso sí, orgulloso hasta la insolencia sobre el valor del arte y del creador: «El artista es ante todo un superdotado del espíritu. Su lengua es la de los dioses, que no necesitan justificar lo que dicen. Son descubridores, al contrario del prosaico hombre corriente»

Biografia:
Egon Schiele nace en 1890 en la pequeña ciudad de Tulln, en la Baja Austria, en el seno de una familia burguesa ligada al funcionariado. Se cría con sus dos hermanas, Melanie (1886−1974) y Gertrude (1894−1981).
Ya en su etapa escolar, Schiele dibuja con profusión. En el instituto de Klosterneuburg, el pintor Max Kahrer es uno de sus primeros promotores y le enseña diversas técnicas artísticas.
Debido a su mal rendimiento escolar, su madre decide sacarlo de la escuela antes de tiempo. Su talento para el dibujo le lleva a seguir una carrera artística.
En octubre de 1906, casi dos años después de la muerte de su padre, supera el examen de ingreso en la Academia de Bellas Artes de Viena.


En 1909, participa en la Internationale Kunstschau (Muestra Internacional de Arte), donde se rinde homenaje a Gustav Klimt y en la que Oskar Kokoschka hace su debut. La obra de Schiele aún está bajo el influjo de Klimt y del Jugendstil vienés.

Como protesta contra su profesor, funda con algunos de sus compañeros de clase y otros que compartían ideas afines el Neukunstgruppe (Grupo de Arte Nuevo). En 1909, abandona la Academia. 

En 1910, se produce el cambio de rumbo artístico hacia el Expresionismo: con su nuevo cromatismo expresionista, Schiele se rebela tanto contra el naturalismo como contra el dominante Jugendstil vienés; en su obra emergen con enorme brío nuevos temas, como el desnudo erótico, las mujeres encintas y, sobre todo, el autorretrato.



En 1911, conoce a Walburga ("Wally") Neuzil, que será su modelo favorita y su compañera hasta que el artista se case en 1915 con Edith Harms.
Su carrera artística se ve interrumpida cuando, en abril de 1912, se dicta su prisión preventiva: se le inculpa de pederastia y secuestro de menores. Las acusaciones acaban por mostrarse infundadas, pero Schiele ha de permanecer 24 días en prisión: el artista plasma esta experiencia traumática en la famosa serie de la cárcel.

No lo niego: he hecho dibujos y acuarelas eróticos. Pero son obras de arte, y eso puedo probarlo, y también pueden hacerlo todos los que saben algo del asunto.¿Es que otros artistas no han hecho también pinturas eróticas?. Rops, por ejemplo, solo las hacía de este tipo. Pero nadie ha encarcelado jamás a un artista por ello. Ninguna obra de arte es obscena si es artísticamente significativa: la hace obscena su dueño cuando este tiene sentimientos de este tipo. Podría citar los nombres de muchos artistas famosos, incluso el de Klimt, pero no quiero pedir perdón por ello, sería indigno de mi. Así que no lo niego. Pero digo que es falso que yo haya mostrado intencionadamente estos dibujos a niños, que yo haya corrompido niños. ¡Eso es una infamia!.

En junio de 1915, un año después de estallar la Primera Guerra Mundial, es destinado a Praga tras un segundo eclutamiento. Ese mismo mes se casa con Edith Harms, hija de una familia acomodada.

Desde finales de 1915, su arte expresionista cede ante un mayor acercamiento a lo natural, lo que se refleja especialmente en sus desnudos femeninos y retratos, cada vez más realistas.



Tras la inesperada muerte de Gustav Klimt a principios de 1918, Egon Schiele es considerado como su legítimo heredero en la escena artística de Viena.
En marzo de 1918, logra el éxito económico a raíz de la exposición 49ª de la Secesión vienesa: el artista obtiene lucrativos encargos de retratos y también aumenta la demanda de sus desnudos eróticos.


Algunos días antes de finalizar la guerra, el 28 de octubre de 1918, la esposa de Schiele, Edith, que estaba embarazada, muere por una devastadora epidemia de "gripe española". Tres días después, fallece Egon Schiele de la misma enfermedad.
Tenía 28 años y sus postreras palabras fueron: "La guerra ha terminado... Y yo he de partir"





Mujer sentada con la pierna levantada
ha ocupado un lugar icónico en el siglo XX
Increíble dibujante capaz de interpretar mejor que ningún otro las ansias y los frustrados arrebatos de la juventud, Egon también lo hizo con sus temores y excitaciones, sus inseguridades y sus fobias.

David Hockney (Pintor y grabador británico) - 82 retratos y 1 bodegón (Museo Guggenheim de Bilbao) - Arte pop

David Hockney: retrato de familia
El Museo Guggenheim de Bilbao reúne 82 figuras, cada una pintada en tres días, entre 2013 y 2016, por el genial artista británico (10 de noviembre, 2017 – 25 de febrero, 2018)


Nacido en Bradford en 1937, David Hockney asistió a la Bradford School of Art antes de acceder al Royal College of Art, donde estudió entre 1959 y 1962. Entre sus condiscípulos se encontraban Allen Jones y R. B. Kitaj. La fama de Hockney le llegó cuando todavía era estudiante, pues su obra se incluyó en la muestra Young Contemporaries, que marcó el florecimiento del arte pop británico. Visitó Los Ángeles a comienzos de los años sesenta, y poco después fijó allí su residencia. Con frecuencia se le asocia con el sur de California y con las numerosas obras que produjo durante las décadas que vivió allí. A partir de 2004, Hockney residió varios años en Bridlington, representando el paisaje de Yorkshire a través de acuarelas y óleos, y también mediante películas y su iPad. Este redescubrimiento del paisaje culminó en la exposición David Hockney: una visión más amplia que se mostró en la Royal Academy of Arts en 2012 y luego viajó al Museo Guggenheim Bilbao. Tras la muestra, Hockney volvió a Los Ángeles, donde regresó a la intimidad del retrato, género que ha jugado un papel fundamental en su larga carrera y que continúa fascinándole. 

El Museo Guggenheim Bilbao, pincha aqui

David Hockney. Los Ángeles, 9 de marzo de 2016 - RICHARD SCHMIDT
David Hockney es el pintor vivo más importante de Inglaterra, nació en Bradford, en el año 1937, está considerado como uno de los fundadores del movimiento Pop Británico.
El 17 de marzo de 2013 no fue un día más en la vida de David Hockney. Uno de sus ayudantes, Dominic Elliott, fallecía de manera trágica en la casa del artista en Bridlington, al norte de Inglaterra, adonde había llegado ocho años antes, «huyendo» de Los Ángeles. Regresaba a casa. Fue la residencia donde su madre vivió los últimos años hasta su muerte en 1999. Elliott había bebido lejía tras haber consumido éxtasis y cocaína. Hockney no se hallaba en casa cuando ocurrieron los trágicos hechos. Aquel revés le destrozó por completo. Un año antes había sufrido un leve ictus que le dejó momentáneas secuelas en el habla. Le operaron el cuello. Acabó deprimiéndose en Gran Bretaña y lo que, en principio debía ser una vuelta temporal a California para inaugurar una exposición en San Francisco, acabó convirtiéndose en un regreso parece que definitivo.
Este es el primer retrato de la serie: Jean-Pierre Gonçalves de Lima, pintado entre el 11 y el 13 de julio de 2013-EFE
La comisaria de la exposición, Edith Devanay, junto a su retrato. A la derecha, Frank Gehry, pintado por Hockney-EFE
EDITH DEVANEY, 11, 12 Y 13 DE FEBRERO DE 2016
“Me pintó en dos ocasiones, la primera en septiembre de 2015 y después en febrero de 2016; este último retrato es el que está incluido en la exposición”. 
Las únicas instrucciones que me dio fueron que me recogiera el pelo; a mitad del primer retrato, Hockney había decidido que así la imagen quedaría mejor. Muchas modelos femeninas se habían vestido para la ocasión, por lo que, como contraposición, decidí llevar ropa más informal. La primera parte del proceso, y quizá la más intensa, fue el dibujo a carboncillo que Hockney esbozó directamente sobre el lienzo ya imprimado. Definía el perfil de la cabeza, el cuerpo y la silla como para “fijar la pose”, diciendo que pintaba lo que veía, y que se aseguraba de verlo todo. Su mirada escrutadora y concentrada eran extraordinarias, y movía la cabeza constantemente del lienzo a la modelo”. 
“Una vez terminado el dibujo, comenzó la pintura. Todos los retratos fueron realizados con pintura acrílica, un medio que Hockney no había empleado en veinte años. Después de haber realizado sus primeras pinturas, empezó a utilizar una marca con mayor contenido en gel, que permanece húmeda más tiempo. Ello le permitía ir dando algunos matices más a los rostros a lo largo de los tres días”. Edith Devaney
Tres de los retratos de Hockney. De izquierda a derecha, su hermano John, Jean-Pierre Gonçalves de Lima y Hans Werner Holzwarth-EFE
El escenario siempre es igual: el retratado, sentado en la misma silla, subida a una plataforma, en su estudio de Los Ángeles. Cada uno decidía cómo iba vestido. Familiares, amigos y conocidos de Hockney son sus modelos; «mis famosos», como él los llama. Ninguno fue un encargo. El último, el de Earl Simms, retratado entre el 29 de febrero y el 2 marzo de 2016. Último, de momento, porque, para Hockney, esta serie «es infinita. Podría seguir pintando estos retratos hasta el fin de mis días». El artista los entiende como un conjunto, no de forma aislada.
Tras la gran exposición de paisajes que el Museo Guggenheim Bilbao le dedicó en 2012, David Hockney se alejó de la pintura, dejó su casa de Yorkshire y regresó a Los Ángeles. Poco a poco, y comenzando por una representación del jefe de su estudio, volvió a la tranquila contemplación que conlleva la pintura de retratos. A lo largo de varios meses, el género del retrato le absorbió totalmente, y comenzó a invitar a su estudio a diferentes personas de su entorno, familiares, amigos y conocidos, entre los que se encontraban trabajadores de su estudio, otros artistas, curators y galeristas. 

RUFUS HALE, 23, 24 Y 25 DE NOVIEMBRE DE 2015
La artista británica Tacita Dean pasó algún tiempo en Los Ángeles en 2015, investigando en el Getty Institute. Visitó a Hockney y posteriormente le filmó, mientras fumaba ensimismado, para su obra Retratos (Portraits, 2016). Cuando Dean fue al estudio de Hockney, le acompañaba su hijo de once años Rufus. A Hockney el niño le recordó a él mismo cuando tenía su edad, y sintió la necesidad de pintarlo. Rufus fue un excelente modelo y se tomó muy en serio todo el proceso. 
“Fue algo totalmente espontáneo; yo llevaba lo que me pongo cada día, aunque es verdad que es muy inusual: traje y corbata. Como no tenía ni idea de que me iba a pintar, no me vestí de manera especial. Llevo un chaleco de tweed, una corbata roja, pantalones azul oscuro, camisa blanca y zapatos de vestir”. Rufus Hale
Todas las obras realizadas en este período tienen el mismo tamaño, muestran al modelo sentado en la misma silla y con el mismo azul de fondo, y todos fueron pintados en el transcurso de tres días. No obstante, el virtuosismo pictórico de Hockney logra que las diferentes personalidades de los modelos afloren en el lienzo de manera cálida e inmediata. Esta exposición presenta los retratos realizados recientemente por David Hockney, con un renovado vigor, que ofrecen una instantánea íntima del mundo artístico de Los Ángeles y de las personas que se han cruzado en el camino del artista en los últimos años. 

Exposición organizada por la Royal Academy of Arts, Londres, en colaboración con el Museo Guggenheim Bilbao.

A veces pintaba hasta tres retratos al mismo tiempo. Demasiado trabajo para un hombre de 80 años que pinta de pie y no para de moverse mientras lo hace
Fuente: Guggenheim Bilbao

En 2012 el Guggenheim de Bilbao mostró sus paisajes de la campiña británica, algunos realizados con su iPad. Entonces sí vino a España y tuvimos el privilegio de charlar con él, durante una hora, en la terraza del museo. Entre calada y calada, este fumador empedernido apuraba un café... y una cajetilla de Camel. Había viajado en coche desde Inglaterra hasta Bilbao solo para poder fumar por el camino. Quizá no haya vuelto ahora porque no podría soportar un vuelo Los Ángeles-Madrid sin fumar. Hablamos entonces de Picasso, de Caravaggio, de Van Gogh, de Lucian Freud, de su polémica con Damien Hirst, de su ciática y su sordera; de las nuevas tecnologías («El iPad es una revolución»); de Yorkshire, su Giverny; de los fanáticos antitabaco y «los médicos marimandones» («Soy un fumador feliz»)... Una pena no haber continuado, cinco años después, aquella conversación.
Fuente: ABC cultura
David Hockney, Place Furstenberg, Paris, August 7,8,9, 1985 -- En la fotografía trabajó con una técnica innovadora que consistía en hacer series de fotos de un mismo motivo en diferentes momentos del día y reunirlas formando un collage.
A partir de 1960 se instaló en Estados Unidos, donde trabajó a caballo entre Nueva York y California. Cultivó indistintamente la técnica de la pintura, del grabado y sobre todo de la fotografía, configurando grandes collages de imágenes yuxtapuestas tomadas con una Polaroid. 



Fue un importante contribuyente del movimiento conocido como Arte Pop en la década de 1960, siendo considerado uno de los artistas británicos más influyentes del siglo XX.
Arte pop (en inglés, Pop art) es un movimiento artístico surgido en Reino Unido y Estados Unidos a mediados del siglo XX, inspirado en la estética de la vida cotidiana y los bienes de consumo de la época, tales como anuncios publicitarios, comic books, objetos culturales «mundanos» y del mundo del cine. El arte pop, como la música pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en las Bellas Artes, separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con otras,​ además de resaltar el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía.El arte pop y el minimalismo son considerados los últimos movimientos del arte moderno y por lo tanto precursores del arte postmoderno, aunque inclusive se les llega a considerar como los ejemplos más tempranos de este.
1995 BMW 850 CSi Art Car by David Hockney

A Hockney le comisionaron el diseño de la cubierta y algunas páginas para la edición francesa de diciembre de 1985 de la revista Vogue. Consistente con su interés en el Cubismo y su admiración hacia Pablo Picasso, Hockney eligió pintar a Celia Birtwell (quien aparece en varias de sus obras) desde diferentes puntos de vista, como si el ojo hubiese escaneado su cara diagonalmente.

Celia Birtwell , CBE (nacida en 1941), es una diseñadora textil y diseñadora de moda británica, conocida por sus diseños distintivos audaces, románticos y femeninos, que están influenciados por Picasso, Matisse y el mundo clásico.

Left: David Hockney, Celia Birtwell, 2015. Royal Academy of Arts, London
En diciembre de 1985, Hockney utilizó el Quantel Paintbox, un programa de computadora que le permitía al artista dibujar directamente en la pantalla.

Hockney regresaba con más frecuencia a Yorkshire en la década de los noventa (cada tres meses) para visitar a su madre que falleció en 1999. 

En raras ocasiones se quedaba por más de dos semanas, hasta que en 1997 su amigo​ Jonathan Silver, que se encontraba en estado terminal, lo alentó a capturar sus entornos locales. Al principio, realizó estas pinturas basándose en sus recuerdos (algunos de su niñez). Hockney regresaba a Yorkshire y se quedaba cada vez más tiempo, para el 2005 se encontraba pintando el campo al aire libre. Compró una residencia y un estudio gigantesco al lado del mar en el pueblo de Bridlington, a 75 millas de donde nació.​ Las pinturas a base óleo que realizó a partir del 2005 estaban influenciadas por sus estudios intensos en acuarela (2003-2004).​ Creó pinturas hechas a base de varios lienzos de menor tamaño: nueve, quince o más. Para auxiliarse a visualizar a esa escala, utilizó reproducciones fotográficas digitales. Al final de cada día, el trabajo realizado era fotografiado y Hockney se llevaba una copia impresa a su casa.

Salts Mill (izquierda) y New Mill (derecha) del Canal de Leeds y Liverpool
Jonathan Silver (1949-1997) fue un empresario de Bradford que fue responsable de restaurar Salts Mill como un próspero centro cultural, minorista y comercial.
Molino de sales
Salts Mill es una antigua fábrica textil, ahora una galería de arte, centro comercial y complejo de restaurantes en Saltaire , Bradford , West Yorkshire , Inglaterra . Fue construido por Sir Titus Salt en 1853, y la actual Galería de 1853 toma su nombre de la fecha del edificio que lo alberga. El molino tiene muchas pinturas del artista local David Hockney en exhibición y también ofrece oficinas para Pace plc .
Cuando se completó, el molino fue el edificio industrial más grande del mundo por superficie total. Es un edificio catalogado de grado II.  La fábrica cerró en 1986, y al año siguiente fue vendida a Jonathan Silver , quien comenzó un largo plan de renovación.

Bigger Trees Near Warter
El cuadro fue regalado finalmente a la Tate, que cuenta ya con siete de sus cuadros.

La Llegada de la Primavera en Woldgate Yorkshire del Este 

Este trabajo "es una escala monumental del Yorkshire nativo de Hockney, entre Bridlington y York... Estaba pintado sobre 50 lienzos individuales, y la mayor parte había sido pintado in situ a lo largo de cinco semanas el invierno anterior."​ En el 2008, él donó esta pintura a la Tate Gallery en Londrés, diciendo: "pensé que si quería darle algo al Tate, tenía que ser algo muy bueno. Va a estar ahí por mucho tiempo. No quiero darles algo de lo que no este completamente orgulloso ... creo que esta es una buena pintura porque es de Inglaterra ... parece ser lo correcto."
La Llegada de la Primavera en Woldgate Yorkshire del Este en 2011 es una obra compuesta por un monumental óleo sobre 32 lienzos (cada uno de 91.4 x 121.9 cm) y  51 dibujos de iPad impresos en papel. Fue mostrada al público por primera vez en 2013 como parte de la exhibición ‘David Hockney: A Bigger Picture’ en la Real Academia de las Artes (Royal Academy) en Londres.
La fundación David Hockney

En el 2012, Hockney, transfirió pinturas valoradas en 124.2 millones de dólares a la fundación de David Hockney, y donó 1.2 millones de dólares en efectivo para ayudar a financiar las operaciones de la fundación. El artista planea regalar sus pinturas a galerías como Los Angeles County Museum of Art y el Tate Modern en Londres a través de la fundación.

El 21 de junio de 2006, la pintura "El chapuzón" de Hockney se vendió por £2.6 millones de libras.
“El Gran Chapuzón” es una obra que forma parte de su serie sobre piscinas. Es una de sus obras más famosa y representativa. Hockney nos sitúa al borde de una piscina, en una composición serena, captando el momento exacto en el que un personaje al que no vemos, se lanza al agua dando forma a un gran chapuzón, que rompe momentáneamente la calma. La representación del agua salpicando hacia todos lados está tan lograda, que casi podemos escuchar su sonido y sentir su humedad. La solitaria silla cerca de un ventanal y el zambullido son las únicas claves de vida dentro de un mundo desolado y frío, a pesar de ser un día completamente despejado y de un sol intenso.


(1998)Un Gran Cañón más Grande, una serie de 60 pinturas combinadas para crear una sola imagen, fue comprada por la National Gallery of Australia en $4.6 millones.
La Galería Nacional de Australia (NGA; en inglés, National Gallery of Australia) es el museo nacional de arte de Australia, ubicado en Camberra, en el Territorio de la Capital Australiana. Establecido en 1967 por el gobierno australiano, la Galería Nacional es uno de los museos de artes más grande de Australia, y contiene más de 166,000 obras de artes.
David Hockney, “Beverly Hills Housewife (Diptych)” (1966-67)
 Beverly Hills Housewife (1966–67) es un acrílico de 12 pies de largo que representa a la coleccionista Betty Freeman parada junto a su alberca en un vestido largo y rosa; se vendió por $7.9 millones de dólares en Christie's Nueva York en el 2008 y fue el precio más alto del lote, además de un precio récord para Hockney.
En cuanto a los matrimonios de estilo, solía plasmar en sus lienzos aquellas parejas a las que admiraba en sus momentos cotidianos. Una de ellas son estos dos amantes, Chris y Don, uno escritor y el otro pintor. Ambos estuvieron casados durante más de 33 años y era una pareja a la que Hockney apreciaba.


También pintaba a sus amantes homosexuales o sus amigos mientras estaban en la ducha. Es otra serie de su gran obra, las imágenes de las duchas.
David Hockney ya había reconocido su homosexualidad.


Desde el 2009, Hockney ha pintado cientos de retratos, bodegones y paisajes utilizando la brushesapp para (Brushes) iPhone​ y iPad​ y suele mandar estas obras a sus amigos.
A finales del 2011, Hockney visitó California para pintar el Parque nacional de Yosemite en su iPad. Para la temporada 2012-2013 de la Vienna State Opera, él diseñó en su iPad una pintura a gran escala (176 metros cuadrados) como parte de una exhibición llamada "Cortina de Seguridad".

El Parque Nacional de Yosemite se ubica a aproximadamente 320 km al este de San Francisco, en California, Estados Unidos. Cubre un área de 3081 km² y se extiende a través de las laderas orientales de la cadena montañosa de Sierra Nevada. Es visitado por más de tres millones de personas cada año, y la gran mayoría sólo recorre la parte del valle de Yosemite. Fue nombrado Patrimonio Mundial de la Humanidad por la Unesco en 1984 y es reconocido internacionalmente por sus acantilados de granito, saltos de agua, ríos cristalinos, bosques de secuoyas gigantes y la gran diversidad biológica (cerca del 95% del área del parque está denominada zona salvaje).
Paisajes del Parque Nacional de Yosemite creados por David
Algunos de los dibujos de iPad están en pantallas digitales, otros como las obras de Yosemite fueron impresos en seis grandes paneles. Los asistentes técnicos de Hockey usaron impresoras de inyección de tinta de gran formato para reproducir las imágenes que creó en el iPad.

 'Yosemite I, October 16th, 2011' by David Hockney
 “Es un medio muy nuevo”, dijo Hockney. Es tan nuevo que no estaba seguro de lo que estaba creando hasta que comenzó a imprimir sus imágenes digitales hace unos años. “Me quedé bastante sorprendido con ellas”, expresó riendo. “Sigo sorprendido”.

Ha vuelto a su Yorkshire natal para desarrollar un intenso trabajo relacionado con la naturaleza, las estaciones y el campo, dominando en su obra de este tiempo, los motivos vegetales y una gran exuberancia de color.




Diseño de Escenografías
El primer diseño de Hockney para una ópera se realizó a base de gotas pintadas. Se empleó para la obra The Rake's Progress de Stravinsky en la Glyndebourne Festival Opera en Inglaterra (1975) y para La flauta mágica (1978). En 1981, el accedió a diseñar la escenografía y los vestuarios para tres obras francesas del siglo XX en el Metropolitan Opera House tituladas Fiesta. Las obras fueron: Parade, un ballet con música de Erik Satie; Las tetas de Tiresias, una obra con un libreto por Guillaume Apollinaire y música de Francis Poulenc, y El niño y los sortilegios, una ópera con un libreto escrito por Colette y música de Maurice Ravel.​ El set para El niño y los sortilegios es una instalación permanente en la Spalding House (ramificación del Honolulu Museum of Art). 


Escenografía · Mi Favorita de todo el universo : Turandot
Diseñó sets para la obra Turandot de Puccini en 1991 en la Opera lírica de Chicago y para la obra de Richard Strauss, La mujer sin sombra en 1992 en la Royal Opera House en Londres. En 1994, él diseñó los vestuarios y escenografía de doce operas arias para Plácido Domingo en la Operalia de la Ciudad de México. Los avances técnicos le han permitido crear modelos cada vez más complejos. En su estudio, él tenía un telón de 6 pies (1,8288 m) por 4 pies (1,2192 m) donde construía sets a escala 1:8. También utilizó un set computarizado que le permitió programar momentos de la iluminación para sincronizarla con la música.

Andrea Viotti 
DAVID HOCKNEY : TRISTAN UND ISOLDE